札幌交響楽団hitaruシリーズ定期演奏会第23回

2025年12月23日19:00  札幌文化芸術劇場hitaru

指揮／広上淳一

ヴァイオリン／米元響子

管弦楽／札幌交響楽団

尾高惇忠：ヴァイオリン協奏曲

ラフマニノフ：交響曲第2番

　尾高惇忠の遺作、ヴァイオリン協奏曲は札響初演。世界初演は尾高が2021年2月に他界した後の同年6月25日に、京都コンサートホールで今日と同じ広上、米元と京都市交響楽団で行われている。

　広上のプレトークによると、わかりやすい優れた作品とのこと。

　京都での初演のために書かれた遺稿が今年発見され、配布プログラムに掲載されている。これを読むと、聴きやすい現代音楽とは、という方向を模索しながら作曲したことと、同時に病を意識して完成をさせた旨書かれている。

　そういう背景を思いながら聴いてみると、過去を回想しながら、様々な社会の出来事、師である人々や多くの作品との出会い、そこから受けた影響などをもれなく綴っている印象を強く受けた。

　一部難解な現代音楽の雰囲気を持ちながらも、穏やかなところ、ちょっと驚かせる先鋭なところなど、作風は多岐にわたり、ソリストと管楽器の対話など協奏曲とのしての要素も多彩で、聴き手を飽きさせない。

　ソリストの米元は、オーケストラとよく音色、ピッチを融合させながら一体となって音楽を創造していくタイプの演奏家で、ピッチを高めにとりブリリアントに演奏するソリストタイプではない。この落ち着いた音楽性が、尾高の作品ととてもよくマッチングしていたのではないだろうか。

　作曲家ご指名のソリストだったとすれば、その演奏を想定して作曲したのか、あるいは自分の作品を託するに相応しい演奏家だったことは確かであろう。

　広上はオーケストラをよくコントロールして、尾高の、想像するにおそらく暖かい人柄だったのだろう、その雰囲気を聴衆に余すところなく伝えてくれた。　　　

　広上によると札響は尾高惇忠の管弦楽作品をほとんど演奏しており、作品に対する理解力はとても優れているとのこと。そのためか、オーケストラは違和感なくまた疑問点もなく演奏できていたようだ。トータルではとても優れた札響初演だったと言える。

　後半のラフマニノフは、広上が50回ほど振っているお得意のレパートリーとのこと。息の長いフレーズの歌い方、メリハリある楽想の表現、輪郭のしっかりとした構成、それでいて柔らかく豊かな響きで全体をまとめ上げており、名演と言ってもいいだろう。

　ダイナミックな動きで指揮をする姿は確信に満ちていて、オーケストラの能力を余すところなく最大限に引き出し、オーケストラもそれに応え伸びやかな明るい音色で自信を持って演奏していた。久々に気持ちのいいコンサートだった。

　コンサートマスターは会田莉凡。

 札幌コダーイ合唱団・合奏団

メサイア

2025年12月20日13:00  札幌市生涯学習センターちえりあホール

指揮／中村隆夫 

ソプラノ／河口しほり

アルト／荊木成子

テノール／五郎部俊朗

バス／下司貴大

アンサンブル・リーダー／山本聖子

札幌コダーイ合唱団・合奏団

ヘンデル：メサイア

　札幌コダーイ合唱団は北海道教育大学の中村隆夫によって1976年に設立、現在まで半世紀にわたって活動を続けてきたが、来年９月で活動を休止するとの事。今日は最後のメサイア公演となるということで、場内は満席。

　配布プログラムの最後のページに今までの活動記録が記載されており、概観すると年に２回から多い時には４回ほどの演奏会を開催している。

　レパートリーはルネッサンスから現代までと広範囲に渡るが、ヘンデルのメサイアは定例的に演奏しており、これが活動の中心だったようだ。他にバッハのマタイ受難曲、ヨハネ受難曲の大曲も演奏している。

　この合唱団の基本は、ノンヴィブラートで純正のハーモニーの美しさを目指した演奏（同団HPによると純正律による演奏を目指して）。

　発足から90年代頃までよく演奏会を聴いた。特に1994年のマタイ受難曲は記憶に残っている。合唱団の目指す演奏からすると、当然オーケストラは古楽器奏法が基本となり、そのため首都圏からのゲストプレイヤーが多かった。幾つかのプロフェッショナル団体があった札幌で、地元勢を中心にしたメンバーでマタイ受難曲を演奏したのはおそらく札幌コダーイ合唱団が初めてだったと思われる。

　

　今日、本当に久しぶりにその演奏を聴いてみると、設立当初からの基本コンセプトは全く変わっていない。

　合唱団は46名。ヴィブラートがなく、よくコントロールされたピッチでのまっすぐな歌い方ときれいに調和したハーモニーがとても印象的。中村が理想とした合唱で、以前より、より徹底した表現になっているようだ。

　演奏全体は、トータルでのまとまりの良さがやはり他の団体にはない美点だろう。ドラマティックな表現などの派手さはないが、中庸の魅力とでも言おうか、合唱、オーケストラ、ソリストそれぞれに抜きん出たソリスティックな表現は求めずに、全員でまとめ上げる総合力の素晴らしさが特徴だ。これは以前聴いていた頃と変わらない。

　

　合奏団は少数精鋭の16人。アンサンブルリーダーの山本が古楽器風の洗練された演奏で、しっかりと全体をまとめ上げ、音色、ピッチが整っていて好演。会場の響きと合唱団の規模とを考慮すると、ちょうどいい人数だ。

　トランペットソロの櫻井が柔らかい音色で全体に溶け込むように演奏、これはとても良かった。一方、電子鍵盤楽器で演奏していた通奏低音パートが音量調整がうまくいかなかったのか、ほとんど聞き取れず、ちょっと残念。

　ソリストは４人とも落ち着いた安定した歌唱。テノールの五郎部は1997年の札幌コンサートホールのこけら落としの第九公演に出演、聴くのはそれ以来。当時とは声の質が変わっているが、貫禄は充分。

　トータルでは、全員地元勢だけによる高い水準の演奏で、これは中村隆夫の大きな功績でもあろう。

　2000年代のこの合唱団の演奏会をほとんど聴く機会がなく、最も充実した活動をしていたであろうこの時期を失礼ながら全く知らない。しかしながら今日の演奏を聴くと、常に一定の水準以上の安定した演奏を続けていたことは想像に難くない。

　この合唱団の特徴は、合唱の素晴らしさを聴衆に伝えるプロフェッショナルな意識と能力の高さを持った人材の集まりだったと言えるだろう。

　この合唱団のメンバーの中には、現在の札幌の合唱界はもちろん教育界でも優れた指導者として活躍する人材も多い。

　21世紀に入ってから、札幌の音楽界は、札幌交響楽団が飛躍的にその実力を高めたことに象徴されるように、同時に地元札幌の音楽家達もそれに歩調を合わせるようにレベルアップしてきた。その育成の礎となった中村隆夫と彼の指揮した今日の演奏はそれを物語る貴重な記録の一つであり、半世紀に及ぶ活動の成果でもある。引退は残念だが、残した足跡は大きい。

 札響の第9

2025年12月13日17:00  札幌コンサートホールKitara大ホール

指揮 ／ 下野 竜也＜首席客演指揮者＞

ソプラノ ／針生 美智子

メゾソプラノ ／中島 郁子

テノール ／小堀 勇介

バリトン ／池内 響

Chorus ／札響合唱団、札幌大谷大学芸術学部音楽学科合唱団　ほか

合唱指揮：長内勲、大嶋恵人、中原聡章

バーバ― 弦楽のためのアダージョ

ベートーヴェン 交響曲第9番「合唱付き」

12月13日、14日開催の「札響の第９」に出演を予定していた ソプラノ 中村恵理は、急病により出演ができなくなりました。 代わりに、針生美智子が出演いたします。 何卒ご了承くださいますよう、お願い申し上げます。主催者発表（12/13、13:30発表）

　今年の第九は下野竜也。引き締まった演奏で、細かい箇所まで丁寧に仕上げられており、その積み重ねで全体をまとめ上げたとても立派な第九。

　どの楽章も曖昧さがなく、真摯な表現で下野の特長がよく反映された落ち着いた演奏だったと言えよう。オーケストラはどのセクションも安定しており、程よい緊張感があり好演。

　ソリストは、特にバリトンの池内響が豊かな声量と堂々とした明確・明瞭な表現。昨年の妻屋とはまた違った魅力があり、とても聞き応えのある見事な歌唱だった。

　そのほかの歌手では、主催者発表のとおり、ソプラノを歌う予定だった中村恵理が急病で降板。急遽の代役として針生美智子が出演、まっすぐに客席に抜けてくるよく通る声と安定した歌唱ぶりで、存在感を示してくれた。

　合唱は、男性陣が高音部をやや苦しげに歌っていた箇所もあったせよ、それ以外は全体的に安定したまとまりのある充実した合唱だった。

　札響合唱団となってからは、いつも水準以上の合唱が聴けるようになったのはとてもうれしい。

　オーケストラは音量をコントロールすることもなく力演だったのにも関わらず、ソリスト（ステージ中央奥）と合唱がとてもよく聴こえてきたのは見事。

　オーケストラ、ソリスト、合唱がそれぞれ安定した演奏で、すべての声部が程よく調和し、優れたバランスで仕上げられた演奏だった。

　

　前半にバーバーの弦楽のためのアダージョ。中庸な表現で第九同様バランスよく丁寧にまとめられたいい演奏だった。

　大雪のためか、珍しく空席が多かったのが残念。

　コンサートマスターは会田莉凡。

 札幌交響楽団 第673回定期演奏会

指揮 ／川瀬 賢太郎＜札響正指揮者＞

横笛 ／西川 浩平*

管弦楽／札幌交響楽団

別宮貞雄：管弦楽のための二つの祈り

伊藤康英：管弦楽のための交響詩「ぐるりよざ」*

　　　　（オルガン入り2025改訂版）

ストラヴィンスキー：バレエ音楽「春の祭典」

　今日は邦人作品が２曲。別宮貞雄は札響初演。パリ留学の総決算として1956年に初演され、毎日音楽賞と尾高賞を受賞するなど高い評価を得ている。今日聴く限りでは、フランス風というよりは、第２楽章にフーガがあるためか、むしろドイツ的な感性と、この時代に特有の知的雰囲気の強い作品のようだ。

　当時としては抜きん出た作品だったのかもしれないが、これ以降の邦人作品がもつ個性な表現と熟練した作曲技法と比べると、何処となくぎこちなさを感じさせる。柔らかく、良い感性でまとめ上げたいい演奏だったが、もう少し何度か聴いてみたい作品だ。

　作品の個性、一般への浸透力という点では、むしろ２曲目の伊藤康英の作品の方がより強いオリジナリティを持っているのではないか。吹奏楽でよく演奏される作品だが、管弦楽版は今日が札響初演。バージョンは都度アップデートされるようで、今日はKitaraの大オルガン付き。３楽章形式だが、全体的に和の香りが程よく匂ってきて、海外でも演奏される理由がよくわかる。特に第２楽章の龍笛（西川浩平）ソロは強く心に残る印象的なシーンだ。全体的に柔軟な発想でまとめ上げられており、各楽器が最も美しく響く音域で演奏するように設計されていて、響きは充実していて聴きやすい。作曲家の楽器法の優れたセンスが伺える。札響の演奏は、多彩でまろやかな表情があり、今日のプログラムの中では最も充実していたのではないか。

　「春の祭典」は、第２部以降に、今日で退団するトランペットの名手、福田善亮の抜群のソロもあり、聞き応えのある素晴らしい箇所もあった。

　ただ、全体的には今日はどうした訳か、いつもの川瀬らしい冴え、切れ味がなく、輪郭がやや不明瞭で、ディテールの甘さがあったのが惜しまれる。　

　全体を思い切ってすっきりと演奏するのではと思っていたが、やや遅めのテンポ設定で慎重に事を運び過ぎていたようで、推進力が滞りがち。そのためか、管楽器群のソロが尺にすっきりとおさまらない箇所があり、いつもの歯切れよいリズム感やノリの良さがよく伝わってこなかったのが残念。

　場面ごとの情景の描き方も、どちらかというとモノクロで粒子が少々荒い表現に終始していて、もう少し色彩感があるともっと楽しく聴けたのだが。

　川瀬に迷いがあったように聴こえたのは私だけか。たまにはこういう日もあるだろう。次回に期待しよう。

　コンサートマスターは田島高宏。

 ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団

2025年11月19日19:00  サントリーホール

指揮／キリル・ペトレンコ

ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団 

ヤナーチェク：ラシュスコ舞曲

バルトーク：『中国の不思議な役人』組曲

ストラヴィンスキー：バレエ音楽『ペトルーシュカ』（1947年改訂版）

　個人的には、ペトレンコは2017年、バイエルン国立歌劇場日本公演で「タンホイザー」を、ベルリン・フィルは2019年ズービン・メータで来日公演「ブルックナー交響曲第８番」を聴いて以来。当時のペトレンコは同歌劇場の総監督で、室内楽的な透明な響きと均整感ある美的センスに優れた上演、一方のメータのブルックナーはあちこち重要な入りのポイントを指示するだけで、あとはオーケストラの自主的な音楽作りに任せた、重厚な演奏だった。

　超弩級のオーケストラだけあって、その昔、カラヤン時代の来日公演では1977年と79年に集客を見込みクラシック向きではない4700席の普門館で行い、批判も多かった。かく言う筆者は79年の来日公演をこの会場の上の席で聴いたが、さすがのカラヤン／ベルリン・フィルもはるか遠くで頼りなく響いていたことを覚えている。モーツアルトのレクイエムとブルックナーのテ・デウムだった。

　

　そういう数少ない、しかし強く記憶に残る色々な思い出をたどりながら今日の演奏を聴いてみると、やはりこれは今まで聴いた中でも、抜群でものすごいオーケストラであることを再認識。

　プログラムは20世紀を代表する東欧作曲家の舞踏をテーマにした、なかなか渋い曲目。普通のオーケストラだと地味なプログラムだが、ベルリン・フィルにとってはこれは舞踏音楽の多彩な性格を持つ作品の面白さを伝えるというよりは、明らかに自らのオーケストラの抜群の機能を披露するためのものだ。

　ペトレンコは、柔軟なバトンテクニックと要所要所を確実に締めた見事な統率力でオーケストラを自在にドライヴ、その能力を存分に引き出していた。オーケストラはどこも手を抜かず全力投球。疲れを知らないダイナミックな表現は、他のどのオーケストラからも聴くことのできないすざましいものだ。

　ヤナーチェックはおそらくもっと地味で田舎くさい作品なのだろう、弦楽器の厚く豊かな音色が何となく違和感を感じさせたが、そういうローカリティーよりも民謡を素材にして、世界に通用するシンフォニックな作品にしようとしたヤナーチェックの国際感覚の意図を反映させた演奏だ。作品の素朴さに演奏者がやや戸惑いがちに、しかし、壮大なスケールで演奏している様子が伺われ、そこが面白かった。

　バルトークはパントマイムのための作品だが、組曲版はよりコンサートピースとしての性格を重視したまとめ方なのだろう。オーケストラの緊張感ある鋭く全く隙の無い表現が、バルトークの気性の激しい異常とも言える貪欲な表現意欲を見事に反映していて、一瞬たりとも聴き手を飽きさせない演奏だった。

　ただし、この作品でのピアノパートは明らかにバルトーク自身の卓越した腕前を披露するために書いたもので、もちろん音楽的にも重要な役割を持っているはずだが、それがほとんど聴こえてこないのが残念。今日は上手奥にピアノが配置、バルトークだったら最もよく聞こえ、かつ奏者がよく見える位置に配置したことだろう。しかしながらピアノの存在を忘れさせる力強いオーケストラ演奏だったことも確かではあるが。

　後半のストラヴィンスキーは、もうこれで充分、これ以上求めない、という圧倒的な演奏。管楽器群の卓越したソロ、これらは単に上手いだけではなく、情景に即した上品な表現や時々下品にもなる多彩な表情、弦楽器の分厚く鳥肌の立つような底力のある響き、また謝肉祭で賑わう市場や、人形達の不器用な踊りなど、バレエのシーンを想起させるようなきめ細かい表現もあり、単なるコンサートピースとして終わらず、ストーリーのある壮大なドラマとしても聴かせてくれた。

　バルトークでは埋もれていたピアノソロが、もちろん目立つような書法でもあるが、この作品では明瞭に聴こえてきて存在感を示していた。

　アンコールは無し。コンサートマスターは樫本大進。

 アルバン・ベルク

ヴォツェック

2025年11月18日14:00  新国立劇場

【指 揮】大野和士

【演 出】リチャード・ジョーンズ

【美術・衣裳】アントニー・マクドナルド

【照 明】ルーシー・カーター

【ムーヴメント・ディレクター】ルーシー・バージ

【舞台監督】髙橋尚史

キャスト

【ヴォツェック】トーマス・ヨハネス・マイヤー

【鼓手長】ジョン・ダザック

【アンドレス】伊藤達人

【大尉】アーノルド・ベズイエン

【医者】妻屋秀和

【第一の徒弟職人】大塚博章

【第二の徒弟職人】萩原 潤

【白痴】青地英幸

【マリー】ジェニファー・デイヴィス

【マルグレート】郷家暁子

【合 唱】新国立劇場合唱団

【児童合唱】TOKYO FM 少年合唱団

【管弦楽】東京都交響楽団

　舞台設定は1960年代の陸軍駐屯地で、各幕の様々な場面はほぼ全てこの駐屯地仕様の安っぽい兵舎風の小屋で表現される。場面転換は人力で小屋を入れ替える仕組みで、これを敢えて見せることで兵士達の過酷な使役を強調する役割を持っているようだ。

　第一幕冒頭ではヴォツェックが下手側の保存庫らしきところから豆の缶を取り出し、貪るように食べ、上手側にあるゴミ箱に空き缶を捨てる。これを何度も繰り返す。原作オペラにはないシーンだ。医者が登場する場面で語られるが、医者の実験台となって報酬をもらっているヴォツェックが、豆を食べろ、という医者の指示を忠実に守っていることをここで伝えたかったのだろう。

　続くヴォツェックが大尉の髭を剃る場面はビリヤード会場で、しかもビリヤードをしているのは鼓手長で、それを見守る一兵卒たちがゾロゾロといる。髭剃りは電気カミソリだ。以上は原作にないが違和感はない。ここで大尉、鼓手長の支配者層は赤、それよりも地位の低いヴォツェックと一兵卒たちは黄色の服と、色によって階級分けされている。

　マリーの部屋は白黒のブラウン管テレビとソファーが一つ。マリーの子供は食い入るようにテレビを見ている。テレビの画面は遠くからだとよくわからないが、おそらく戦争のシーン。

　続く医者の研究室のシーンでは、冒頭でヴォツェックがいきなり研究室入り口の前で放尿をする。原作の戯曲が咳ではなく小便だそうで、従ってオリジナルへの変更だ。オペラ原作の咳が全て小便に入れ替わっている。これはあまりいい感じはしない。それでなくとも不潔感の漂うオペラだが、この放尿によってそれがさらに強調される。

　マリーを誘うマッチョな鼓手長の部屋はトレーニングルーム。ここで不倫関係になるわけだが、そのシーンは部屋を後ろ向きで回転させることによってより観客に想像力を深める役割を持つ。

　居酒屋のシーンではマルグレートを中心に全員でラインダンスを踊る。小屋は見せもの小屋風に、床が高くなってその上にバンド類が乗り音楽を奏でる。居酒屋の客はそれを観ている観客でもあるのだ。

　肝心のマリーが殺される沼のシーンはセットではなく、照明で舞台を円形に照らして沼を表現。マリーを殺す刃物は原作のナイフではなく、缶詰の蓋で（これは席種によってはわからない）、缶切りで開けているのでギザギザになっている。殺されたマリーは続く居酒屋のシーンでもヴォツェックの腰掛けた椅子の下に横たわったまま。一呼吸おいて、ヴォツェックが沼に沈み、自殺するシーンは舞台の上下動機構を使って舞台から消える。この沼のシーン、もっと照明を駆使して派手に演出するかと思ったが、意外とシンプル。音楽がすざましいので、ここは演出家が余計な仕事をする箇所ではないようで、正解だ。

　最後子供達が遊びながらマリーの子供にお前のお母さんは死んだ、と伝えるシーンは、冒頭のビリヤードの小屋に戻り、大尉の椅子に赤い制服を着た子供が座っている。最後はマリーの子供がヴォツェックが豆の缶を持ち歩いていた位置に立ったまま幕が下りる。呆気ない結末だが、意味深な終わり方だ。

　以上大雑把に見てきた舞台進行の半分以上は新国立劇場HPの事前情報から得たもの。当日初めて見ただけでは半分も理解出来なかっただろう。

　SNSで事前情報を得るのは当然なのかもしれないが、販売プログラムにネタバレにならない程度に演出のコンセプト、舞台設定など鑑賞の手引きをもう少し詳細に記載して欲しいところだ。

　演奏の面では、大野和士の指揮が抜群の仕上がり。今日はいつになくオーケストラの音がクリアに聴こえてきて、セッティングを変えたのか、と感じるほど。かなり説得力のある幅広い表現が聴こえてきて、この作品のオーケストラパートがいかに見事にドラマを語っているかを如実に示してくれた熱演。

　歌手では主役のヴォツェックを歌ったトーマス・ヨハネス・マイヤーが秀逸。不器用さと諦めに、内面に潜む激しい反抗心、体制に対する復讐心のような陰鬱とした強い感情が加わって伝わってきて、この名作オペラを充分堪能することが出来た。

　マリーのジェニファー・デイヴィスは色っぽさと生真面目さが奇妙に対比する戸惑いの多い気分がよく伝わってきて、かつその魅力ある声は申し分なかった。

　マッチョな鼓手長のジョン・ダザック、大尉のアーノルド・ベズイエンも好演。ヴォツェックをアゴで使う目線の高さと人間性が欠如したいやらしさが感じられ、存在感充分。医者の妻屋は多少真面目過ぎた嫌いもあるが、兵士達とは違う格の高さを感じさせた好演だった。その他の日本人スタッフも力演。

　短編オペラだが、世界のどの場所、どの時代にもありそうな階級社会の暗闇を見事に表現した傑作舞台作品であることを改めて認識。特に今日の公演は音楽と舞台が見事に一致した名演だったといえよう。